Ella Asderban

Black Sheep

@ellaasderban

Location

geneva / switzerland

University

HEAD – Geneva University of Art & Design

Graduation year

2017

Main Manufacturing Countries

switzerland

Contact

Durant quinze années importantes de ma vie, j’ai pratiqué la danse contemporaine. Après avoir complété mon école secondaire à l’académie de danse et de musique de Jérusalem, j’ai décidé d’émigrer aux Pays-Bas afin d’atteindre un niveau professionnel dans la danse et de m’ouvrir à une scène artistique avant-gardiste et internationale. C’est en 2010 que j’obtins mon diplôme de bachelor en Danse contemporaine de ArtEZ University of the Arts (Arnhem, Pays-Bas) et que je fus nommée lauréate du prix Kunstnacht Dans, Young Talent of ArtEZ Academy Graduates par le Rotary Club. Cette pratique a indéniablement formé la personne que je suis aujourd’hui.
En parallèle à mes études de danse, j’ai cultivé un grand intérêt pour les vêtements à travers la collection de pièces vintage, la customisation de celles-ci et la création de mes propres costumes. Cette approche autodidacte m’a permis d’acquérir des connaissances historiques, de comprendre la construction des vêtements et les codes qui les distinguent. Ce fut une période d’expérimentations spontanées et sans contraintes. De manière libre et quasiment naïve, j’ai commencé à créer mon propre univers. En mélangeant les vestiaires masculins et féminins, en jouant avec les proportions des vêtements, j’ai créé des personnages qui évoluent dans une réalité décalée.

Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai collaboré en tant que danseuse avec des chorégraphes sur plusieurs projets internationaux en Allemagne, en Italie et aux Pays-Bas. Ces deux années de travail concret m’ont poussée à questionner le rôle du danseur comme interprète et m’ont donné envie de devenir moi-même créatrice à part entière. Ayant depuis longtemps déjà travaillé sur le corps comme vecteur de langage, j’ai décidé de poursuivre cette recherche en m’orientant vers le design de mode.

Contrairement au danseur dont le langage corporel vient de l’intérieur et se propage vers l’extérieur, j’ai souhaité – par la mode – aborder le corps dans le sens inverse, le concevoir depuis l’extérieur, lui apporter des formes codifiées et influencer l’espace autour de lui, c’est-à-dire construire l’univers visuel dans lequel évoluent les personnages.

En 2013, j’ai débuté ma formation de bachelor en Design Mode à la HEAD-Genève, en commençant par l’année passerelle au Centre de formation professionnelle des arts appliqués à Genève.

Mon expérience de danseuse m’a donné une compréhension profonde du corps, de ses mouvements et de ses expressions. Elle m’a aussi appris la discipline, le travail rigoureux et l’attention aux détails. Aujourd’hui, je suis convaincue que ce bagage constitue un atout essentiel dans mon approche au design de mode.

Latest Collection

Common Interest

Silhouettes ordinaires,
stéréotypes et archétypes.

Des personnages communs portent
une série de mouvements successifs
autour de leur corps.

Ils se séparent progressivement
de ces images capturées sur le vif.

Multipliés, mis à l’échelle, déformés et
reconstruits, ces vêtements standards
deviennent expressions
d’une chorégraphie hantée.

L’idée principale au cœur de ma collection de Bachelor est le mouvement du corps dans le vêtement et le mouvement du vêtement dans l’espace. Pour cette série de six silhouettes, j’ai choisi de travailler avec un vestiaire ordinaire (Levi’s 501, trenchcoat, chemise, sweatshirt) afin de mettre l’accent sur les interventions formelles que j’ai fait subir à ces vêtements.
Ces modifications – qui consistent à multiplier, mettre à l’échelle, déformer et reconstruire – sont d’autant plus visibles du fait que tout le monde peut reconnaître les vêtements de base tels qu’ils étaient au préalable.

Ces formes en mouvement autour du corps suggèrent des images de moments passés qui restent attachées à la personne. Elles donnent l’impression que le vêtement s’anime autour du corps et évoquent la coexistence de personnages multiples.

Des habits standard aux proportions absurdes deviennent maladroits et ludiques. Le déséquilibre entre les codes et les formes donnent place à des illusions d’optique semblables à des trompe-l’œil autour du corps. Cette dimension absurde est aussi renforcée par la direction artistique du photoshoot. Des personnages ordinaires se comportent de manière étrange dans le décor banal et intemporel d’un immeuble d’habitation. Or, malgré le fait qu’ils interagissent froidement et paraissent détachés les uns des autres, ils semblent agir avec sincérité et sensibilité.

Durant mon année de diplôme, j’ai développé une méthode de travail basée sur une recherche formelle rigoureuse qui repose sur l’expérimentation physique du vêtement et du corps dans l’espace tridimensionnel. La plupart de mes designs sont concrétisés par des expérimentations de coupe et de patronage qui sont ensuite moulées directement sur le corps. Les formes résultantes – souvent inattendues – sont ensuite retravaillées et renforcées pour la réalisation du vêtement final.

Au-delà de l’observation du mouvement, ma méthode consiste à puiser dans des images de films (Wim Wenders), de photographes (Eadwaerd Muybridge et Frédéric Fontenoy) et de sculpteurs (Nick van Woert) – pour ne donner que quelques exemples. Ces créations ont en commun de proposer des mouvements fragmentés, des corps désarticulés, des illusions d’optique liées au corps.

Par la documentation systématique de mes étapes de recherche, j’ai pu acquérir un regard critique sur le développement de mes créations. J’ai constitué au fur et à mesure une archive qui représente une démultiplication de ma collection finale. Aujourd’hui, je désire amener cette démarche plus loin et rendre visible ce processus dans le produit final que je propose en tant que créatrice de mode.